米哈游昨晚这演唱会办得，真跟给玩家过年，约着一起“包饺砸”一样喜庆……
这几年米哈游的演唱会，我去了3场。这场是我见过排场最大、塞内容也最多的一场。一是压缩内容——他们用2小时，就表达完了1个空间站+3个星球的冒险，堪称皮薄馅大；二是融合风格——东西杂却不乱，各个内容相处得够融洽。但修炼一年后的《星铁》，好像让这个能力又发生了一些变化。这场演唱会一开始就在还原玩家们在《星铁》的冒险经历。如游戏伊始的场景，开场演奏的《卡农》被摇滚挤开，卡芙卡手握着小提琴登场，在重节奏的电子乐下拉响了她的角色PV曲四季协奏曲《冬》……全场被她的蛛丝缠绕，激光四处飞射。起初，我以为那只是作曲人的个人偏好，但事实上，它还关乎《星铁》世界的基底。项目的音乐负责人宫奇给我说，《星铁》项目设定特别，它是穿越星际的旅行，要容纳的无数星球。所以，这个能兜住一切内容的框必须足够大，能像宇宙一样包罗万象。比如，在玩家与仙舟的BOSS幻胧对决时，音乐一极使用了侗族大歌这种原生态的民族元素，另一极则使用了电子乐编曲，改变着前者的音色、节奏、质感，使之变成了一种全新的音乐。不是用音乐去给玩家搭一个空间，而是用更接近玩家直觉的方式，来讲述一个世界的故事。宫奇提到，电子乐，其实也给到了他们某种程度的创作自由：只需要撷取一段旋律，整个团队就能发挥各自的力量——哪怕彼此的风格差异巨大，也能组成一个整体。这种语言，对玩家来说够直觉，对创作者来说也够自由。就这样，HOYO-MiX让电子乐先成为宇宙，然后用它和其他音乐融合，形成一个个星球，逐步搭建出《星铁》的世界。空间站强调电子科技感，雅利洛-VI是严寒与蒸汽朋克，仙舟是中华文化与丝绸朋克；后来列车行驶到了匹诺康尼，这里真是像上世纪的百老汇一样。光是听着音乐，就觉得自己生活在那个空间当中……一位认识的朋友在演唱会结束后，激动地发了朋友圈：“我说HOYO-MiX真的可以用音乐构筑世界，没人反对吧！”这帮人会去想象玩家在广场能听到怎样的街头音乐，在大街小巷能听到什么样的百姓生活。就像采样一样，撷取一段，将它包装变化，然后有了全新的质感。雅利洛-VI的场景组曲就是如此：电子乐的打击声是矿洞的敲击，人声低吟是工人们的号子，《八十八度矿底》的咆哮说唱，是下层区的人们被上层区统治者抛弃后，用说唱来表达不甘。在演奏《天下熙熙》《邀挽明月成宵宴》时，舞台用长袖舞表演，演绎了仙舟街市熙攘、科技宫阙的街景；在演奏《片时酣》《浮槎竟天》时，他们又让舞狮、转碟、空竹等杂技轮番上台，展示着仙舟百姓的日常生活。思路简单又有效：你眼所能及的生活与场景，就是你所听到的声音。宫奇那天累得不行，但说到这个的时候，嘴角还是有点压不住。他告诉我，他们在匹诺康尼琢磨了个新东西，那就是去想象生活在此的NPC们会享受什么样的音乐，然后把这个也展现给玩家。如果说此前的音乐是描绘看得见的生活，那么匹诺康尼的音乐理念就是描述那些看不见的文化。相比于此前雅利洛-VI的萧瑟、仙舟罗浮的生活，匹诺康尼的场景组曲完全就是这里人们的文娱，你听到的是他们所听的音乐，他们所看的节目，他们拖家带口去剧院看的百老汇，以及钟表小子滴滴答答的碎嘴子。也就是说，HOYO-MiX现在把世界音乐又分了一层，你能听到他们的生活，还能听到他们的文化，除所见即所得，还有那些超越视野所能捕捉到的“空气”。这个新思路其实挺有意思的，我觉得，它或许也来源于HOYO-MiX对音乐所能表现的生命力和情绪的关注。后台见到宫奇的时候，他真的是一脸仙气。跟从矿井里出来一样，一脸憔悴。还没说上话，他就要拉着其他作曲老师去现场，让他们听听自己的曲子在现场演得对不对。我问宫奇，他们忙前忙后的到底要看啥。他说，音乐演得准不准是一方面，还有一个就是表达的感觉对不对，“每个人写歌的时候肯定有一个很原初的念头，我们得看看现场有没有把这个念头好好地表现出来。”我擅自说得通俗点，那东西多半是：情绪。再俗点，那就是：人味。第一次感受到这一点，是在《星铁》中听到《踏上旅途》的时候。对于《星铁》来说，星球那么多，世界迥异，大家都有自己的故事。我总感觉HOYO-MiX除了依靠电子乐以外，还将更多创作投放到了“旅途”上，去思考大家在每个世界旅行的情绪，去讨论玩家在宇宙里旅途的意义。在雅利洛-VI的旅途中，演唱会需要在30分钟内就演绎完一个世界，所以你能很明显感受到音乐从下层矿井的生活区，慢慢向上爬升，在严寒中愈来愈压抑……直到《野火》爆发，所有的情绪向严冬发起挑战，直至冲破困境。所以如何描述情绪，我想，就是HOYO-MiX用音乐搭世界时最画龙点睛的一块拼图。比如，相比影视配乐的线性，《星铁》做情绪配乐会拆得更细一些：他们会把一段剧情的情绪拆分成许多段，然后每一阶段的情绪还会有一段细腻的循环节奏。在可可利亚BOSS战音乐《野火》的案例中，如果玩家在即将进入关键战斗前停止不动，音乐就在蓄力爆发的位置持续蓄力，保持着情绪高涨，同时它又会像浪潮一样不停循环，让情绪有一些波动。其实创作过程中，HOYO-MiX也有在刻意丰富情绪。一位音乐人就和我说过，他尤其喜欢和《星铁》合作，因为在完成了既定的主旋律以外，他演奏乐器的自由度太大，他可以根据自己对角色或者内容的理解，加一些很有趣的演奏技法。HOYO-MiX的说法则是，相比其他项目的音乐，他们给到演奏老师的乐谱会简单许多，有意留了一些表演空间，想看看其他艺术家会对某段内容是否有更特别的理解。宫奇把这个叫做人味。最终，这些情绪将无数的角色连在了一起，与玩家交汇，然后再去将一个个星球串联在一起……旅途的意义也在此出现。演唱会用2个小时展示了HOYO-MiX做内容的秘密：电子乐的自由，加上生活与文化的生命力，以及生活其中的人们踏上旅途的意义……这几个不同的层次就组成了「星穹铁道」音乐的一切。演唱会将旅途压缩后，这一点变得更加直观：量大管饱，杂而不乱。音乐只是一个内容的切片，它其实也反映了米哈游做内容方式的变化：一来，米哈游调度内容的能力是真的猛。这次演唱会也是把抽象的音乐情绪，具象成可见表演，也算从游戏外直观展示了米哈游调度资源去做表达的能力；二来，米哈游还有着对内容再创作的能力。他们可以把一些玩家听了成千上万遍的作品搬上舞台，重新演绎，然后展示出截然不同的质感——昨晚很多玩家就在音乐变调的瞬间一秒察觉，然后激动地欢呼。三来，米哈游做内容的方式，已经有了很明显的进化痕迹：匹诺康尼的迭代基本可以视为米哈游做世界设计的流程发生了变化，从此前的探索场景，转变成了探索内容——其实无论从音乐，还是从游戏内外，都能看出这一点。——这些能力和变化，或许已经改变了米哈游的内容生产管线，并将在后续的版本或星球中呈现出迭代的成果。最后，我想聊聊一些很个人的感受：米哈游和玩家之间的关系。昨晚的演唱会，应该是我参加的所有演唱会里，玩家和舞台主动互动得最激动的一场了：在卡芙卡演奏期间，场馆内此起彼伏地回响着“妈”声一片；三月七出来互动的时候，我原本还担心大家都是闷葫芦，结果大家很快放开，全场大喊着三月七的名字；更不提《水龙吟》副歌部分一出，更是将全场观众的情绪拉至最高点，整个场馆完全被上万人的合唱席卷着；还有在《天地为枰》的鼓点之下，景元将军携云骑军屹立于舞台中央，观众的情绪随之牵动；在一声声“仙舟翾翔，云骑常胜”的口号中，神君挥斧劈开云层，全场瞬间热血沸腾；令人意料之外的是，米哈游真的将萨姆机甲也搬到了演唱会现场，萨姆出场后，观众席的荧光棒变成了点燃大海的红色，周围四面八方的男生低吼着掏出手机狂拍……不过我个人印象最深的，还是演唱会在那些重新编曲的作品中，所想对玩家传递的强烈感情。演唱会最后一首音乐是游戏登录界面的BGM《星穹铁道》。音乐一开始是按原版演奏的：旅途漫漫，浩瀚的宇宙随着管弦乐响起，在所有人的面前逐渐展开……但渐渐地，《星穹铁道》的编曲发生了变化，越来越多的乐器融入进来，你好像能听到雅利洛-VI的声音，仙舟的声音，甚至还有匹诺康尼的声音。你就好像在那数十秒内与曾在游戏中相遇过的角色们快速擦肩而过。最后，所有的旋律都在不断发展，上升，变成更加宏大的史诗……至少对我来说，HOYO-MiX和这些所有台前幕后的工作人员，用这段旋律向我传递了足够清晰的语句：所有的音乐，还有伴随我作为玩家的一切，在历经这些世界的冒险后，会重新回到那辆列车，继续踏上旅途，继续保持着开拓的心情与未曾谋面的一切相遇。以前有机会坐到音乐人面前时，我总喜欢问，身为创作者的他们和玩家对话的方式是什么？我觉得，昨晚《星穹铁道》的音乐演奏推到高潮、玩家们被鼓舞到大声欢呼的时刻，便是他们对话完成的瞬间。
